Elena Armellini

TRACCE
2022

Fragili come la pelle del tempo, questi frammenti di ceramica emergono come reliquie di un gesto, di una forma che non cerca la perfezione, ma la sopravvivenza. Sono, infatti, resti. Le tracce lasciate da un passaggio, un contatto, un abbandono.

La superficie – screpolata o erosa – parla di ciò che è andato perduto e di ciò che rimane. Le crepe diventano mappe, il tessuto imprime un ricordo del corpo e delle mani. Il bianco, una linea interrotta da flebili tracce di colore, evoca ciò che il tempo ha cancellato ma che persiste come eco visiva, testimonianza silenziosa.

Queste opere non raccontano storie, sussurrano. Non gridano significati, ma aprono spazi all’ascolto. Si presentano come reperti parziali, artefatti inclassificabili che resistono all’erosione dell’oblio. Il titolo – Remnants – è sia una dichiarazione che una domanda: cosa rimane oggi di ciò che eravamo un tempo? Cosa rimane di un gesto, di un’abitudine, di una presenza?

Nella loro apparente immobilità, queste forme sembrano continuare a trasformarsi. Portano il peso di ciò che non c’è più, ma portano anche la forza sottile di una bellezza che non esige centralità. Una bellezza che si ritrova nei bordi consumati, nelle assenze, nei vuoti.

Non sono opere finite: sono ciò che sopravvive all’opera stessa.

L’INFANZIA RESTA TRACCE DELL’INTANGIBILE
2007

Gli oggetti dell’infanzia – quelli che un tempo abitavano le nostre stanze e riempivano i nostri giochi – riaffiorano in queste opere come metonimie della memoria, segni tangibili di ciò che eravamo e, in parte, siamo ancora. Nelle mani dell’artista, questi frammenti diventano catalizzatori di memoria, condensazioni simboliche di paure primordiali, fantasie visionarie e sogni troppo fragili per resistere al passare del tempo.

Attraverso un processo di stratificazione materica, l’artista costruisce un paesaggio visivo in cui superfici ruvide – cemento, gesso, pigmenti – si aprono rivelando tracce sommerse. Oggetti perduti, figure ibride e creature fantastiche emergono come reperti archeologici di un tempo interiore. È uno scavo simbolico, in cui ogni gesto artistico corrisponde a un gesto di memoria, un tentativo di riportare l’infanzia non come un’immagine nitida, ma come una presenza poetica, un’eco.

La memoria, in queste opere, si manifesta non come un archivio ordinato, ma come una nebbia. Le forme sono incerte, la loro consistenza inquieta, priva di contorni definiti: lo sguardo è invitato a un atto di ricostruzione, un esercizio di attenzione e tenerezza. L’ambiguità diventa la chiave espressiva, come se il passato non potesse mai tornare veramente, ma solo essere evocato attraverso indizi, impronte e risonanze emotive.

I materiali ruvidi e spigolosi, scelti proprio per la loro capacità di rivelare e nascondere allo stesso tempo, creano un contrasto tra la durezza del materiale e la delicatezza del contenuto. È in questa tensione che si rivela il significato più profondo dell’opera: l’infanzia è rappresentata non come un’innocenza idealizzata, ma come una rovina vivente, come ciò che sopravvive sotto strati di tempo, oblio e trasformazione.

Ogni opera è, in definitiva, un piccolo monumento all’intangibile. Un fragile ma tenace atto di resistenza all’oblio. Un tentativo di ricucire la distanza tra ciò che eravamo e ciò che siamo diventati.

RESTI
2022

“Christiane”
Gesso e tessuto – Dimensioni variabili – Due elementi a pavimento, liberamente posizionabili anche a distanza

Quante volte il tocco ha esitato sulla superficie di quel tessuto, tracciandone ogni piega come mappe incerte della memoria. Ora giace abbandonato. Eppure, nel suo abbandono, qualcosa emerge.

Come una reliquia dissotterrata da strati silenziosi, il tessuto solidificato nel gesso diventa una scoperta. Non più oggetto d’uso, ma traccia. Non più copertura, ma impronta. Materia che trattiene il gesto e lo restituisce in forma muta.

Quest’opera fa parte della serie Resti d’Infanzia, dove il tessuto diventa metonimia di ciò che un tempo era: protezione inconscia, rifugio, un senso di appartenenza senza parole. Due elementi separati, come i ricordi, come i corpi. Eppure ancora in relazione.

Scultura come scavo: non per rivelare ciò che è visibile, ma per portare alla luce ciò che ha lasciato un segno.

ARCHIVIO
2008

In un’epoca in cui la materia sembra dissolversi nel virtuale, Archive cerca di restituire peso, consistenza e silenzio alle cose.
Cristalli trasparenti e pietre opache – reali o evocate – diventano segni di una conoscenza geologica e interiore, dove ogni frammento trattiene il tempo come una lente fossile.

L’installazione si dispiega attraverso due gesti complementari.

Nel primo, i disegni si accumulano come fasci, come campioni raccolti durante viaggi dimenticati. Si stratificano sul muro, mappando una materia instabile, un archivio visivo di forme lucide o opache, levigate o fratturate. Un atlante intuitivo, dove il nord è tracciato dal modo in cui la luce si rifrange.

Nel secondo gesto, i disegni sono perforati e impilati su punte metalliche affilate, come fascicoli d’archivio o documenti esauriti. Qui, l’archivio diventa anatomico: tagliato, forato, ammucchiato. È un’indagine sul corpo del segno, sulla fine della sua funzione e sulla sua sopravvivenza come reliquia o detrito.

L’archivio è uno spazio sia materiale che mentale, dove ogni forma conserva una temperatura, una vibrazione, un’eco.
Non esiste un sistema: solo raccolta.
Non esiste un catalogo: solo tempo.

BIOGRAFIA

Elena Armellini

Nata a Venezia nel 1982, si è laureata in Scenografia all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Durante gli studi ha maturato esperienze internazionali, tra cui una residenza a Vienna come borsista del Programma Europeo Leonardo Mobilità, collaborando con Art for Art, azienda specializzata in scenografie teatrali.

Le sue opere sono state esposte in Italia e all’estero, tra cui Re: Public alle Tese dell’Arsenale (Venezia), Generazioni 2 a Cordovado (Pordenone), Nacht und Nebel all’Alte Kindl Brauerei (Berlino) e Viaggio a Nord Est 2 a Lendava, in Slovenia.

Nel 2016, la sua opera Dindarolo è stata esposta alla XXI Triennale di Milano, nella mostra W. Women in Italian Design, curata da Silvana Annicchiarico con allestimento di Margherita Palli.

Dal 2017 è docente di Decorazione presso il Dipartimento di Arti Visive dell’Accademia di Belle Arti di Venezia.
Dal 2009 vive e lavora tra Venezia e Berlino.

RIFUGIO

Non tutti i luoghi chiamati “rifugio” lo sono davvero. In alcuni, si è più esposti che protetti. Il linguaggio conserva il nome, ma il gesto che un tempo lo fondava si è perduto. Questa distanza tra la parola e la cosa diventa il punto di partenza.

“Rifugio” deriva dal latino refugium, da re- (ritorno) e fugere (fuggire). Non indica semplicemente un luogo verso cui ci si dirige, ma un movimento che si arresta: la fine della fuga, il ritrarsi dell’essere.

In greco antico, la parola corrispondente è kataphygé, da kata- (verso il basso, profondamente) e phygé (fuga): una discesa nella fuga, un moto che si lascia cadere, che si affida a qualcosa che protegge.

In tedesco compaiono due termini affiancati: Zuflucht, una fuga verso qualcosa, e Refugium, parola più filosofica e intima — un luogo di ritiro e contemplazione. In italiano abbiamo conservato solo rifugio, mentre refugium sopravvive come traccia letteraria o spirituale.

I rifugi che costruisco in questa serie sono piccole strutture effimere, realizzate con materiali umili, trovati, recuperati. Sono modelli, ma non in senso architettonico. Sono tentativi di un gesto, tracce di un atto: quello del ritirarsi, del cercare protezione, del cercare un luogo in cui la fuga possa finalmente fermarsi.

Non sono case.
Non sono templi.
Sono tentativi.

Ogni rifugio è anche una domanda: esiste ancora, oggi, uno spazio in cui sia davvero possibile trovare rifugio?